MACRO riapre con una celebrazione di Roma

 Il MACRO riapre con una celebrazione di Roma

La stagione espositiva del Museo d'Arte Contemporanea di Roma, sotto la nuova direzione artistica di Cristiana Perrella , si apre con un calendario variegato che comprende quattro mostre e una programmazione che spazia tra arti visive, musica, cinema e urbanistica : un omaggio alla città e un racconto che spazia oltre i suoi confini.

Dall'11 dicembre 2025   UNAROMA  11.12.2025 – 06.04.2026 a cura di Luca Lo Pinto e Cristiana Perrella  One Day You'll Understand. 25 anni da Dissonanze  11.12.2025 – 22.03.2026 a cura di Cristiana Perrella Jonathas de Andrade. Sisters With No Name  11.12.2025 – 06.04.2026 a cura di Cristiana Perrella in collaborazione con Conciliazione 5 e Fondazione In Between Art Film Abitare le rovine del presente 11.12.2025 – 22.03.2026 a cura di Giulia Fiocca e Lorenzo Romito (Stalker)  dal progetto Agency for Better Living, presentato al Padiglione Austriaco, Biennale di Architettura di Venezia 2025, a cura di Sabine Pollak, Michael Obrist e Lorenzo Romito   _____________________

INAUGURAZIONE | Giovedì 11 dicembre 2025 – dalle 18:00 alle 22:00     Venerdì 12, Sabato 13 e Domenica 14 Dicembre 2025 | INGRESSO GRATUITO

Dall’11 dicembre 2025 il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma – rinnova la sua offerta al pubblico con una stagione di mostre incentrate sulla Città Eterna , sulla sua scena artistica e sulle sue vivaci energie creative.

Il programma, sostenuto dall'Assessorato alla Cultura di Roma Capitale e dall'Azienda Speciale Palaexpo, prodotto e organizzato dall'Azienda Speciale Palaexpo , è stato elaborato dalla direttrice artistica del museo Cristiana Perrella , riflettendo la sua visione di un'istituzione completa, vivace e aperta , in cui alla programmazione espositiva si affiancano iniziative quotidiane capaci di renderlo un luogo culturalmente vitale e inclusivo.

 

“ Immagino il MACRO come un organismo composito, flessibile e accogliente, che respira con la città e si adatta al suo ritmo, alle sue contraddizioni e alle sue potenzialità – afferma Cristiana Perrella, direttrice artistica del MACRO. – Roma è un luogo di inesauribile produzione di senso, dove arte, musica, cinema e pensiero si intrecciano, generando forme di dialogo sempre nuove. Il museo deve essere capace di riflettere questa complessità, proiettandola al tempo stesso verso l’esterno, nel mondo”.

 

Dopo mesi di preparazione e di ristrutturazione dei suoi spazi, il MACRO riapre in un contesto di vitalità culturale, corrispondente alla capacità della città di reinventarsi, grazie all'energia dal basso che ha trasformato il suo tessuto creativo negli ultimi anni.

 

Il nuovo calendario – esteso fino ad aprile 2026 – intreccia linguaggi diversi, dall’arte alla musica, dall’urbanistica al cinema e alla performance, per raccontare la città come laboratorio aperto e in continua trasformazione.

I capitoli di questa narrazione dialogano tra loro e si muovono in un arco temporale che va dal passato recente al futuro prossimo : dalla scena emergente e dagli spazi indipendenti che hanno riformulato la mappa culturale della Capitale, alla narrazione dei primi anni 2000 con il festival Dissonanze , fino alle riflessioni sul vivere contemporaneo e sulla città vissuta da chi arriva da lontano. 

La scelta di concentrarsi su Roma, in questa fase di riapertura del museo, è al tempo stesso un omaggio e un atto di restituzione: un omaggio alla città e, al tempo stesso, un'occasione per raccontarla anche oltre i suoi confini, grazie al posizionamento internazionale del museo e alla rete di relazioni che il MACRO intende attivare.

 

L'11 dicembre verranno inaugurate contemporaneamente quattro mostre, che daranno vita a una narrazione corale e stratificata che attraverserà linguaggi e prospettive diverse, in una rappresentazione appropriata della nuova direzione e del nuovo approccio.

UNAROMA , a cura di Cristiana Perrella e Luca Lo Pinto , precedente direttore del MACRO, in programma dall'11 dicembre 2025 al 6 aprile 2026 , è una grande mostra collettiva che restituisce un'immagine della scena artistica ibrida e generativa della città di Roma, in continuo fermento . Attraverso diversi linguaggi espressivi, la mostra costruisce una carrellata della città, illustrandone il vivace tessuto culturale e intergenerazionale.

 

Attraverso diversi linguaggi espressivi, la mostra compone una carrellata della città filmata attraverso un ideale green screen, raccontandone il vivace tessuto culturale e intergenerazionale. Le opere e gli interventi di oltre 70 artisti di diverse generazioni e linguaggi sono presentati in un allestimento progettato dallo studio Parasite2.0 . Come un film che alterna momenti di stasi e azione, la mostra è suddivisa in tre parti: Set, Live e Off . Nella sala principale al piano terra, Set concepisce un'ampia fascia verde al centro dello spazio, fungendo da ideale fondale "green screen" per la sequenza di opere in gran parte inedite. Con Live , al primo piano, la mostra si espande per ospitare settimanalmente performance dal vivo, concerti, dj set, conversazioni, workshop e proiezioni.

Il progetto prevede anche una serie di eventi nella sezione Off , commissionati dal MACRO e realizzati nelle proprie sedi da alcuni spazi romani indipendenti, per attivare progetti autonomi collegati alla mostra.

 

Il weekend di apertura includerà UNAROMA Flashback, un evento speciale collegato alla mostra che offrirà un viaggio corale attraverso la scena artistica della capitale dagli anni '80 a oggi. Concepito come un prequel storico e un'introduzione alla mostra UNAROMA, l'incontro – moderato dalla direttrice artistica Cristiana Perrella – vede la partecipazione di Laura Cherubini, Stefano Chiodi, Manuela Pacella e Giuseppe Armogida: quattro voci, quattro decenni, quattro prospettive del panorama culturale e accademico di Roma, che si uniscono per costruire l'immagine multiforme di una città viva e in continua trasformazione.

 

Un giorno capirai. 25 anni da Dissonanze , a cura di Cristiana Perrella e in programma dall'11 dicembre 2025 al 22 marzo 2026 , è la mostra dedicata al celebre festival Dissonanze , che dal 2000 al 2010 ha trasformato Roma in un crocevia internazionale per la musica elettronica, la cultura digitale e l'arte . Avvalendosi di un ricco archivio visivo e sonoro , il progetto ricrea lo spirito pionieristico di un'esperienza che ha intrecciato suono, immagine e architettura , abitando luoghi simbolo della città, da Pietralata al Palazzo dei Congressi, dall'Ara Pacis alla Cappa Mazzoniana della Stazione Termini.

 

Jonathas de Andrade. Sisters With No Name , a cura di Cristiana Perrella , in mostra dall'11 dicembre 2025 al 6 aprile 2026 , è un nuovo video dell'artista brasiliana, presentato in collaborazione con Conciliazione 5 – lo spazio d'arte contemporanea promosso dal Dicastero per la Cultura e l'Istruzione del Vaticano – e prodotto grazie al supporto della Fondazione In Between Art Film . Il video, dopo l'anteprima a Conciliazione 5 , sarà visibile al MACRO nei mesi successivi. Si tratta di una nuova produzione nata da una ricerca condotta presso la Fondazione Lelio e Lisli Basso e incentrata su una comunità di suore che negli anni '60 in Brasile intrecciò spiritualità, impegno politico e pedagogia sociale, per poi trasferirsi a Roma – abbandonando i voti – perché minacciate dal regime militare dittatoriale. Come laiche, le suore continuarono la loro attività di aiuto agli oppressi. Utilizzando materiali d'archivio e testimonianze dirette, De Andrade trasmette la forza poetica e politica di una pratica collettiva di libertà e resistenza, tessendo un dialogo ideale tra Belo Horizonte e Roma.

 

Infine, Abitare le rovine del presente , a cura di Giulia Fiocca e Lorenzo Romito (Stalker), in mostra dall’11 dicembre 2025 al 22 marzo 2026 , riflette su cosa significhi abitare oggi , analizzando le politiche di social housing a Roma. Negli spazi del MACRO, la mostra interpreta parte del progetto presentato al Padiglione Austriaco della Biennale di Architettura di Venezia 2025 – Agency for Better Living – un workshop che ha messo a confronto esperienze nelle città di Roma e Vienna sulle possibili forme dell’abitare nell’attuale contesto di crisi ambientale e sociale. Abitare le rovine del presente parte dal presupposto che la Capitale ha saputo rinnovarsi nel tempo grazie a ciclici processi di rigenerazione spesso a partire “dal basso”. La mostra esamina pratiche spontanee di riuso, spazi segnati da diversità e resilienza capaci di generare strategie di adattamento sociale ed ecologico .

 

In occasione della ripresa delle attività del museo, il cinema MACRO apre le porte come una nuova sala cinematografica nel cuore della città, offrendo un programma variegato di proiezioni e incontri. Nei suoi primi mesi di attività, il cinema sarà aperto dal venerdì alla domenica , proponendo opere che estendono l'esperienza museale al linguaggio audiovisivo.

Dall'11 dicembre 2025 al 6 aprile 2026 , il programma si concentrerà sulla scena cinematografica romana, con la partecipazione ogni venerdì di registi emergenti che presenteranno i loro ultimi film, offrendo uno spaccato del vivace panorama creativo della Capitale e della nuova generazione di autori che stanno ridefinendo i linguaggi dell'immagine in movimento.

Parallelamente, ogni domenica mattina il MACRO presenterà un ritratto di Roma attraverso una selezione di film scelti e introdotti da rinomati registi italiani e internazionali attivi in ​​città.

 

Tutte le mostre di questa nuova stagione di iniziative saranno accompagnate da un intrigante focus sugli eventi dal vivo , dando vita a un public program intenso e continuativo capace di coinvolgere il pubblico e di ampliare le narrazioni espositive attraverso nuovi linguaggi.

Concerti, performance, incontri, presentazioni, proiezioni e momenti di approfondimento si intrecceranno lungo tutta la stagione, trasformando il museo in un luogo di esperienza collettiva, in cui la dimensione dell’ascolto e della partecipazione diventa parte integrante dell’offerta culturale del MACRO.

 

Con questa serie di iniziative il MACRO riafferma il suo ruolo di museo per la città e per un pubblico internazionale, uno spazio sperimentale e coinvolgente dove le arti si incontrano e si contaminano, dove la comunità culturale di Roma può trovare un luogo di identità e rigenerazione.

 

“ Il MACRO conferma la sua identità di risorsa culturale strategica per Roma, luogo di elaborazione e incontro che restituisce complessità e vitalità allo spirito della città – afferma Marco Delogu , Presidente dell’Azienda Speciale Palaexpo . – È un museo che non si limita a esporre, ma produce conoscenza, sperimentazione e pensiero, diventando uno spazio di costruzione condivisa del contemporaneo. La sua riapertura segna l’inizio di una nuova fase per la città, in cui la creatività contemporanea diventa strumento per interpretare e immaginare il futuro. È il risultato di un lavoro corale che coinvolge istituzioni, curatori, artisti e abitanti, e riflette la missione del Palaexpo di promuovere una cultura pubblica accessibile, dinamica e di qualità, capace di interagire con tutti e di rigenerare l’energia della vita culturale di Roma ”.

 

“ La riapertura del MACRO è un atto di fiducia nella comunità culturale romana, con la sua straordinaria capacità di generare pensiero, relazioni e sviluppi futuri – afferma Massimiliano Smeriglio , Assessore alla Cultura del Comune di Roma. – Il museo torna a essere un luogo pubblico vivo, uno spazio di relazioni e libertà, dove le energie creative della città trovano pubblico e continuità. È un segnale forte del ruolo che Roma intende svolgere nello scenario nazionale e internazionale, attraverso la cultura concepita come infrastruttura vitale, pronta ad innescare la circolazione di idee, talenti e desideri collettivi. Il MACRO non è solo un museo, ma anche una piattaforma di condivisione che mette in rete le diverse componenti del contesto – istituzioni, gruppi, artisti e cittadini – per restituire alla cultura il suo valore più autentico: quello di generare comunità e futuro ”.

MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma

via Nizza, 138 – 00198 Roma

Città. Voci e visioni. Dal 30 ottobre 2025 - 3 aprile 2026 alla BFF Gallery di Milano

Emilio Tadini. Città italiana. 1988. Courtesy BFF Bank. Foto Paolo Vandrash

Prosegue la programmazione di BFF Gallery - il museo aperto lo scorso aprile e dedicato all’arte moderna e contemporanea all’interno di Casa BFF - con la mostra Città. Voci e visioni. Immaginari urbani tra memoria e contemporaneità, dal 30 ottobre 2025 al 3 aprile 2026, curata da Renato Miracco e Maria Alicata.   L’iniziativa si inserisce nelle attività di promozione dell’arte italiana avviate da BFF Bank, quale gesto di attenzione e di responsabilità verso la collettività e verso il patrimonio culturale italiano, partendo dalla propria collezione d’arte contemporanea costituita oggi da circa 250 opere.   Il progetto di mostra prende avvio dall’opera di Emilio Tadini – pittore, scrittore e intellettuale tra i protagonisti del secondo Novecento, che ha raccontato Milano e la città attraverso saggi, articoli, romanzi, testi teatrali, pittura e disegno, restituendone un’immagine stratificata, viva e mutevole – per sviluppare una riflessione sulla città come costruzione culturale, emotiva e simbolica.   Punto di partenza del progetto è Città italiana (1988) di Emilio Tadini, opera della collezione di arte contemporanea di BFF Banking Group. Le sue visioni dialogano con artisti storici come Umberto Boccioni, Felice Casorati, Elisabetta Gut, Bice Lazzari, Titina Maselli, Giorgio Morandi, Mario Sironi, Ardengo Soffici, Franca Sonnino, alcuni dei quali provenienti dall’estero o da collezioni private e raramente accessibili al pubblico e visibili in Italia. Accanto a questi, autori contemporanei italiani e internazionali come Marina Caneve, Renato D’Agostin, Massimiliano Gatti, Marina Paris, Paolo Ventura, e Yang Yongliang, danno vita a un percorso che attraversa epoche, linguaggi e visioni della città, in un intreccio serrato tra passato e presente.   A completare il racconto visivo, una selezione di libri d’artista e testi narrativi realizzati da Emilio Tadini e da alcuni degli artisti contemporanei presenti in esposizione offrono ulteriori prospettive sull’immaginario cittadino.   Organizzata in dieci sezioni tematiche - La città si trasforma, Nuovo paesaggio, La memoria del paesaggio, Combinare l’immaginario, Geometrie della metropoli, Tracce e visioni, Confini di identità, Teatri urbani, I nuovi abitanti, Tracce emotive - la mostra invita il visitatore a interpretare il concetto di città come costruzione in divenire: luogo di tensione tra passato e futuro, realtà e visione, presenza e assenza.   Il visitatore è guidato in un viaggio emotivo e partecipativo, tra momenti di riflessione e spazi di coinvolgimento attivo. Un dialogo continuo tra ciò che si osserva e ciò che si vive in prima persona, nel quale lasciare un segno della propria idea di città, contribuendo a un’opera collettiva in continua evoluzione. ingresso libero con prenotazione   BFF Gallery Viale Lodovico Scarampo 15, Milano Umberto Boccioni. Studio per La città che sale. 1910. Estorick Collection

GióMARCONI | Allison Katz. Foundations. A Milano fino al 30 novembre 2025

Allison Katz

Il 2 ottobre 2025, la Galleria Gió Marconi ha inaugurato Foundations, una personale di Allison Katz con la partecipazione di Edna Katz Silver.

In questa nuova esposizione, una delle figure più rilevanti della pittura contemporanea mette in discussione il mito dell’artista e la sua definizione come voce autonoma. Per farlo, Katz invita la nonna paterna, l’artista novantenne Edna Katz Silver, a includere una serie di ricami dinamici realizzati nell’ultimo decennio come parte integrante della mostra. «Osservando più da vicino ciò che è sempre stato presente nella mia mente», spiega l’artista, «ho invitato Edna a condividere con me questa mostra personale, dando forma a uno scambio reciproco iniziato quasi dieci anni fa, quando per la prima volta le chiesi di realizzare una composizione a punto croce basata sulla mia firma».

La firma, motivo ricorrente in molte opere di Katz, rappresenta una chiave iconografica fondamentale della mostra e della sua pratica artistica: un indizio sottile che permette di indagare quali tratti del suo passato biografico si siano trasmessi, intenzionalmente o meno, nella sua arte. 

Katz coinvolge nel suo percorso anche il suo storico gallerista Gió Marconi. Attraverso immagini tratte da foulard ecornici realizzati dagli antenati di Marconi –una discendenza di corniciai e produttori di tessuti divenuti mercanti d’arte– l’artista solleva interrogativi sull’eredità del gusto, sulla vocazione e sullo status sociale. Per Katz, tuttavia,la cornice e l’ornamento non sono soltanto rimandi biografici, ma occasioni per riflettere su ciò che costituisce la base stessa della pittura. «Il profilo della cornice rappresenta le prime quattro linee di qualsiasi immagine», afferma. «Inquadrare significa interrompere l’infinito, estrarre la trama della vita dal continuum». Lo stesso accade con il formato arabesco del foulard decorativo: disegnato ai margini, avvolge e provoca, oppure lascia vuoto ilcentro.

Sovrapponendo fonti eterogenee – materiali fotografici personali, giochi di parole, memorie e riferimenti provenienti dalla cultura visiva moderna, i nuovi dipinti di Katz si spingono oltre i confini di un albero genealogico pittorico, configurandosi come una riflessione sulle condizioni originarie della pittura. «Non esiste una tela bianca», osserva. «Qualcosa è sempre già presente: a partire dall’inconscio, fino ai mattoni del nostro DNA, alle condizioni strutturali, ai corpi delle persone amate, ai fantasmi di chi non c’è più. Tutte queste forze danno forma a piaceri e paure; una sorta di autoritratto non creato dal sé. Le fondamenta sono i nostri inizi, radicati sotto terra – ed è lostesso termine (in inglese almeno) che si usa per indicare ciò che può accadere alla fine, con la costruzione di un’eredità».

Foundationsè una raccolta variegata, interconnessa e intergenerazionale di nuove opere. Come sempre, Katz utilizza lo spazio espositivo come occasione perdare vita a un corpus inedito e per comporre un allestimento che favorisca nuove connessioni e interpretazioni. Il luogo, l’architettura e il contesto dell’esposizione sono parte integrante del suo processo, che amplia il suo ricco vocabolario di temi attingendo a fonti tangibili (elementi architettonici e d’archivio) e invisibili (sociali e personali). In Foundations, l’artista riprende alcuni dei suoi motivi consolidati e riconoscibili in nuove forme, accanto a esplorazioni in materiali inediti: bronzo, manifesti in seta stampata e cornici d’artista realizzate a mano in collaborazione con il padre.

Eternity, 2023, Oil on linen, 220 x 200 cm. 

Eruption, 2024, Acrylic on linen, 160 x 145 cm

Crosstalk, 2024, Oil on linen, 160 x 145 cm

Between the cock and the bed, 2024, oil and rice on canvas, 130 x 220 cm 

AKgraph (Aureus), 2023, Oil on canvas, 170 x 170 cm

martedì - sabato: 11 – 18

GióMARCONI

Via Tadino, 15 - Milano

3 ottobre – 30 novembre 2025

Ahmet Güneştekin, YOKTUNUZ alla GALLERIA NAZIONALE D'ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA di ROMA

 © Photo by Massimo Gaudio

Ahmet Güneştekin, Sarcofagi dell'alfabeto (2024)
sulla parete in fondo l’installazione "YOKTUNUZ" (2017)

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea presenta la mostra personale di Ahmet Güneştekin YOKTUNUZ (Eravate assenti), a cura di Sergio Risaliti e Paola Marino con la direzione organizzativa di Angelo Bucarelli. Dal 1 luglio al 28 settembre 2025, saranno esposti sculture, dipinti e installazioni monumentali dell’artista turco di origine curda, che raccontano la storia, i miti e le leggende delle civiltà anatoliche, del Mediterraneo e della Mesopotamia, da cui Ahmet Güneştekin trae ispirazione. 

La mostra è costruita sul dialogo con i capolavori della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea e propone un viaggio emozionante alla scoperta di iconografie radicate in epoche e culture remote, assieme a temi universali come l'esodo, le migrazioni, i confini, il senso di comunità e il sincretismo culturale e religioso. 

L’opera di Güneştekin sposa una strategia culturale impegnata che si traduce in un linguaggio espressivo polifonico, di estremo rigore formale. 

Elemento centrale nella poetica dell’artista è il concetto di memoria: il ricordo degli invisibili, degli esclusi, delle minoranze che spesso restano tagliate fuori dai racconti ufficiali della storia. Dalla memoria nasce il bisogno di indagare e interpretare questioni sociali e ambientali, coinvolgendo lo spettatore sul piano visivo, intellettuale ed emotivo. 

L’installazione "YOKTUNUZ", è esposta nella sala neoclassica con il capolavoro di Antonio Canova "Ercole e Lica", in una relazione drammatica esaltata dalla tensione del gruppo marmoreo. L’installazione a parete, che misura 12 metri di base per 4,5 di altezza, è composta da centinaia di oggetti quotidiani raccolti sia tra le macerie di Diyarbakir, città patrimonio dell’Unesco e teatro di scontri nel conflitto turco – curdo, sia dalle rovine delle case distrutte nella provincia di Hatay dal terremoto nel 2023. Al nitore del marmo scolpito con magistrale intensità da Canova fa da contrappunto il nero dell’installazione di Güneştekin, che trascende in un compianto universale. 

La monumentale installazione “Picco di memoria" collocata al centro del Sala delle Battaglie, appare come una gigantesca montagna “di dolore”, che ricorda eventi tragici come la morte dei minatori a Soma nel 2014, l’esilio degli Ezidi in fuga da Şengal nel 2014, il massacro di Roboski al confine iracheno/turco nel 2011, in cui morirono trentaquattro giovani che indossavano scarpe di gomma nera vendute a poco prezzo nei mercatini locali. Tra le centinaia di calzature spiccano alcune scarpe di un vivido colore rosso che dialoga con la celebre “Crocifissione” di Renato Guttuso. Per la mostra, Ahmet Güneştekin ha realizzato un’installazione site specific lunga sette metri, collocata nel corridoio, dal titolo “Umano”. “Sette anelli solari si uniscono per rappresentare la mia colonna vertebrale – dichiara Ahmet Güneştekin – E’ una sorta di autoritratto. Ogg

i, in Turchia, un artista, un intellettuale, un pensatore viene rappresentato con una colonna vertebrale dritta. “Essere con la spina dorsale” è un detto che in Anatolia evoca coraggio, dignità, integrità” 

Completano la rassegna alcuni grandi dipinti realizzati a olio, anche su antiche porte in legno recuperate, restaurate e dipinte con motivi geometrici, immagini di fiori e piante, volti e figure leggendari, che evocano un ideale passaggio metafisico verso l’ignoto. 

Due delle opere in mostra, le sculture “Il Sole dai sette occhi 2G" e "Sarcofagi dell'Alfabeto" saranno donate alla GNAMC ed entreranno nella collezione permanente del museo. 

Ahmet Güneştekin, Batman 1966, è il primo artista turco a esporre con una mostra personale alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea. La mostra consolida il rapporto con l’Italia, paese che l’artista ha scelto anche come sede della sua Fondazione, che aprirà nel 2026 a Palazzo Gradenigo a Venezia.

Ahmet Güneştekin, Angeli buffi (2020) Tecnica mista, 270 x 390 x 30 cm

Ahmet Güneştekin, Angeli buffi (2020) Tecnica mista, 270 x 390 x 30 cm (particolare della tecnica)

Ahmet Güneştekin, Angeli buffi (2020) Tecnica mista, 270 x 390 x 30 cm (particolare della tecnica)

Ahmet Güneştekin, Dopo la notte blu (2023) Tecnica mista, 200 x 480 x 40 cm

Ahmet Güneştekin, I dervisci di due epoche (2024) Tecnica mista 240 x 520 x 20 cm

Ahmet Güneştekin, I volti di Atena (2024)  Olio su tela 130 x 130 cm 

Ahmet Güneştekin, I volti di Atena (2024) 20 cm

Ahmet Güneştekin, La porta dell'innocenza (2024) Tecnica mista, 255 x 495 x 30 cm

Ahmet Güneştekin, La Regina del deserto, Zenobia (2024) Olio su tela 130 x 130 cm

Ahmet Güneştekin, Lilith la ribelle (2025) Tecnica mista, 350 x 800 x 30 cm

Vi ringrazio.

Arrivederci al prossimo articolo.

Massimo

Vedova Tintoretto. In dialogo - Palazzo Madama, Museo Civico d'Arte Antica di Torino

 

Dal 19 settembre 2025 al 12 gennaio 2026 Palazzo Madama–Museo Civico d’Arte Antica di Torino e la Fondazione Emilio e Annabianca Vedova di Venezia presentano la mostra “Vedova Tintoretto. In dialogo”. Un eccezionale percorso espositivo concepito per accostare l’arte di due grandi pittori veneziani, ciascuno tra i massimi interpreti della propria epoca – Jacopo Robusti detto il Tintoretto (Venezia,1518-1594) ed Emilio Vedova (Venezia,1919-2006) – letti in parallelo, così da affrontare lo sviluppo dell’opera di Vedova nel suo confronto con quello che è stato il maestro d’elezione, indagando similitudini e temi consonanti (odissonanti) alla base delle singole scelte espressive. Tintoretto è stato fondativo per la formazione artistica di Vedova e la mostra a Palazzo Madama esalterà l’impeto e la forza dell’articolato rapporto che lega i due artisti attraverso l’accostamento di capolavori del maestro rinascimentale e dell’artista in formale. 

Il progetto dell’esposizione prende avvio dall’eccezionale opportunità di ospitare a Torino una delle opere conclusive, e paradigmatiche, della parabola umana e artistica di Tintoretto: l’Autoritratto del 1588, in prestito dal Musée du Louvre. Una tela che è stata più di un modello iconografico, rappresentando, come si evince dalle interpretazioni di Edouard Manete dagli scritti di Jean-Paul Sartre, una sorta di identificazione poetica e concettuale per molti artisti. “Tintoretto è stato una mia identificazione. Quello spazio appunto una sede di accadimenti. Quella regia aritmisincopati e cruenti, magmatici di energie di fondi interni di passioni di emotività commossa (...)”.[Emilio Vedova] 

Vedova Tintoretto. In dialogo, allestita nell’Aula del Senato del Regno d’Italia, presenta una cinquantina dicapolavori tra tele di Emilio Vedova e  opere di Tintoretto quali le clamorose ancone dei Camerlenghi, straordinario prestito dalle Gallerie dell’Accademia di Venezia o, ancora, alcune delle opere del celeberrimo ciclo delle Metamorfosi ora conservate alle Gallerie Estensi di Modena. Il serrato dialogo tra i due artisti si sviluppa a partire dai disegni giovanili di  Vedova del 1936 passando per le tele degli anni Quaranta e Cinquanta dedicate alla riflessione su dipinti di Tintoretto quali la Moltiplicazione dei pani e dei pesci (daTintoretto) (1942), La crocifissione (daTintoretto) (1947), (studio da Sogno di San Marco di Tintoretto) (1956), e a quelle degli anni Ottanta. A completare il dialogo e l’esposizione è Vedova con la monumentale in stallazione... incontinuum, compenetrazione/traslati ’87/’88: più di cento grandite le, assemblate le une con le altre in uno sviluppo che sfiderà la verticalità della sala del Senato, testimonianza dell'evoluzione di Vedova che continua con potenza visionaria il suo confronto col maestro ideale.

Emilio Vedova, Interpretazione dal trasporto di San Marco dal Tintoretto, 1936, colori a pastello e carboncino su cartone, 98,8 × 69,5 cm Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Venezia ph. Fabrizio Gazzarri, Milano

Emilio Vedova, (studio da San Marco salva un saraceno dal naufragio di Tintoretto), 1940, inchiostro su carta, 29,2 × 24 cm Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Venezia ph. Vittorio Pavan, Venezia

Emilio Vedova, Autoritratto, 1940-1941, colori a olio su tela, 50,2 × 40,2 cm Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Venezia ph. Fabrizio Gazzarri, Milano 

Emilio Vedova, (studio per Autoritratto), 1946, colori a tempera e colori a pastello su carta, 69,2 × 48,4 cm Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Venezia ph. Vittorio Pavan, Venezia

Emilio Vedova, Ciclo ’81 - Compresenze - 1, 1981, colori acrilici, colori alla nitro, colori a pastello, carboncino e carta su carta intelata, 275 × 275 cm Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Venezia ph. Paolo Mussat Sartor, Torino

Jacopo Robusti detto il Tintoretto, Trinità, 1561-1562 circa Olio su tela, cm 123x184 Musei Reali - Galleria Sabauda, inv. 416.

Jacopo Robusti detto Tintoretto, Autoritratto, 1588, olio su tela Musée du Louvre, Parigi
© GrandPalaisRmn (Musée du Louvre) / JeanGilles Berizzi