ALBINO SIRSI, CRISTO VELATO

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Albino Sirsi, Cristo velato (2022) Marmo di Carrara

Chi vive a Roma oppure semplicemente chi per affari o per turismo è passato sul lungotevere vicino al Palazzo di Giustizia della Corte Suprema (per i romani il Palazzaccio), si sarà accorto sicuramente di una piccola chiesa in stile neogotico che tanto ricorda il celebre duomo lombardo però più piccolo tanto da essere ribattezzato il piccolo Duomo di Milano. 

L'edificio di culto che si chiama Chiesa del Sacro Cuore di Gesù in Prati, ospita in occasione della Pasqua e per tutto il periodo dell'Anno Giubilare, una scultura creata dal pittore e scultore leccese Albino Sirsi dal titolo Cristo velato, un'opera di tre tonnellate ricavata da un unico blocco di marmo di Carrara che ne pesava sette. L'artista l'ha ultimata nel 2022 dopo sei anni di lavoro utilizzando esclusivamente martello e scalpello quindi senza l'ausilio di strumenti elettrici, donando così all'opera un maggior pregio. 

Sirsi ha realizzato un'opera molto suggestiva e drammatica che riprende il momento successivo alla deposizione di Cristo dalla Croce. Gesù è stato adagiato con la schiena sulla nuda roccia coperto da un velo con i bordi che riportano lavori in pizzo. Il velo lascia intravedere sia il corpo ormai esanime con le gambe leggermente sollevate, sia la corona di spine posta davanti alla mano destra.

Anche se il velo sembra essere un lenzuolo di lino pesante, si vedono benissimo i tratti somatici del viso, si vedono addirittura i capelli e la barba oltre ovviamente al resto del corpo. Davanti in piedi ma fuori dal velo, sono stati scolpiti sia i tre chiodi utilizzati per la Crocifissione che le tenaglie utilizzate per toglierli. Lo scultore ha infine scolpito il suo nome e la data sulla parte anteriore della "roccia". 

Il Cristo velato si può dire che è a grandezza naturale, infatti, complessivamente l'opera misura circa due metri e mezzo di lunghezza per un metro e venti di larghezza. 

La chiesa si trova in lungotevere Prati 12 ed è aperta tutti i giorni dalle 9 alle 12 e dalle 16 alle 19,30. 

Vi ringrazio.

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Massimo

LUPA CAPITOLINA

 © Photo by Massimo Gaudio

La Lupa capitolina

La Lupa che allatta i gemelli Romolo e Remo, figli di Rea Silvia e del dio Marte e nipoti di Numitore re di Alba Longa, rappresenta sicuramente il simbolo di Roma. Secondo la leggenda Amulio cacciò dal trono il fratello Numitore e per evitare che un giorno i due gemelli potessero rivendicare quanto tolto al nonno, ordinò che venissero uccisi e gettati nel Tevere, ma il servitore non ebbe il coraggio di farlo così li mise dentro una cesta che abbandonò alle acque del fiume. Il destino fece incagliare la cesta nei pressi dell'attuale Circo Massimo dove una volta c'era una insenatura del fiume. Una Lupa sentì i loro vagiti, li salvò e li allattò fino a quando Faustolo, un pastore del posto, li trovò e li fece crescere come propri figli insieme alla moglie Acca Larenzia.

La scena della Lupa che allatta i gemelli è stata ripresa più volte ancor prima dalla Repubblica Romana e ripresa nel corso dei secoli successivi attraverso sia la scultura, sia incisa sulle monete, sia nei dipinti. Una delle rappresentazioni più conosciute è sicuramente la Lupa capitolina, scultura in bronzo risalente presumibilmente al V secolo a.C. forse di fattura Etrusca. In origine era soltanto la Lupa, infatti, Romolo e Remo sono stati aggiunti successivamente nel XV secolo. L'opera è stata attribuita ad Antonio del Pollaiolo. La scultura a grandezza naturale è posta su un piedistallo e si trova nel Palazzo dei Conservatori dei Musei Capitolini nella sala che porta il suo nome.

La Lupa

Romolo e Remo

Sala della Lupa

Sala della Lupa

Peter Paul Rubens, Il ritrovamento di Romolo e Remo - Musei Capitolini

Denaro di Piblius Satrienus

Vi ringrazio.

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Massimo

LUIGI RUSSOLO, UNA VITA TRA PITTURA E MUSICA

   © Photo by Massimo Gaudio

Luigi Russolo, Autoritratto con teschi (1909)
Olio su tela, 67 x 50 cm, Museo del Novecento-Milano

Luigi Russolo nacque a Portogruaro nelle vicinanze di Venezia il 30 aprile del 1885.

Russolo ereditò dal padre Domenico l'arte della musica in quanto era l'organista del duomo della cittadina e direttore della Schola Cantorum di Latisana che a quei tempi erano sotto l'Impero Austro-Ungarico. Il padre era anche orologiaio e queste due arti furono per Luigi Russolo fonte di ispirazione per intraprendere il cammino musicale, creando addirittura strumenti musicali come l'Intonarumori, usato in varie occasioni come durante il Gran concerto futurista per intonarumori nel 1914 a Milano. La musica fu molto importante per lui, infatti, questo portò l'artista a realizzare poche ma ottime opere pittoriche seguendo il movimento Futurista. 

Russolo iniziò il suo cammino nella pittura seguendo alcuni corsi all'Accademia di Brera di Milano e lavorò come apprendista durante i restauri dei decori nel Castello Sforzesco e nel Cenacolo di Leonardo, ma il 1909 fu per lui l'anno della svolta con la creazione di alcune opere che gli permisero di conoscere artisti futuristi come Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Filippo Tommaso Marinetti capostipite del primo Futurismo. 

Con l'avvento del Fascismo, Russolo decise di non aderirvi con la conseguente esclusione dai Futuristi. Grazie a Enrico Prampolini riuscì a riavvicinarsi al Futurismo e le sue musiche furono utilizzate come colonna sonora di tre film futuristi. Questo non bastò per il suo sostentamento economico, così nel 1926 iniziò a lavorare come operaio e successivamente si sposò con la maestra elementare Maria Zanovallo. Continuò comunque a esporre le sue opere anche nel decennio successivo che lo portarono ad aderire al collettivo Cercle et Carré di Parigi. Nel 1944 tenne l'elogio funebre dell'amico Filippo Tommaso Marinetti morto a Bellagio sul lago di Como. Morì a Laveno-Mombello il 4 febbraio 1947, sempre sul lago di Como, dove riposano le sue spoglie.

Luigi Russolo, La rivolta (1911)
Olio su tela, 150,8 x 230,7 cm, Kunstmuseum Den Haag - L'Aia

Luigi Russolo, Lampi (1910)
Olio su tela, GNAMC-Roma

Luigi Russolo, Profumo (1910)
Olio su tela, 65,5 X 67,5 cm, Mart-Trento e Rovereto

Luigi Russolo, Sintesi plastica dei movimenti di una donna (1912)
Olio su tela, 86 x 65 cm, Collezione del Musée de Grenoble

Luigi Russolo, Impressioni di bombardamento (sharpnel e granate) (1926)
Olio su tela, Comune di Portogruaro

Vi ringrazio.

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Massimo

LES MONSTRES AMIS. EMILIO SCANAVINO E LA X TRIENNALE a MILANO

FONDAZIONE EMILIO SCANAVINO 

presenta Les Monstres Amis. Emilio Scanavino e la X Triennale 

a cura di Michel Gauthier e Marco Scotini 

La prima mostra organizzata dalla nuova Fondazione racconta la Triennale del 1954, momento fondamentale della storia dell’arte e del design, che vide la partecipazione di Scanavino e altri artisti italiani e internazionali in un momento di confronto tra arte e funzionalismo 

4 aprile – 22 giugno 2025

 Fondazione Emilio Scanavino Piazza Aspromonte, 17 – Milano 

Dal 4 aprile al 22 giugno 2025, nella sua nuova sede, la Fondazione Emilio Scanavino presenta Les Monstres Amis. Emilio Scanavino e la X Triennale la sua prima mostra, curata da Michel Gauthier e Marco Scotini, che rappresenta una rivisitazione critica e storica della X Triennale di Milano. L’esposizione milanese del 1954 fu infatti un momento fondamentale per la storia dell’arte e del design e di dialogo tra arte e design industriale. 

La mostra si concentra sulla partecipazione di Scanavino e di altri importanti artisti internazionali, e su quella battaglia per ristabilire il primato dell’immagine sulla forma e la libertà rispetto alla struttura che coinvolse molti di loro, dedicando una particolare attenzione alla sezione della manifestazione dedicata alla ceramica. 

Les Monstres Amis ricrea l’ambiente della sala delle ceramiche della Triennale che ospitava, all’interno di una scenografia curata da Joe Colombo, opere realizzate ad Albisola nell'estate precedente da artisti come Enrico Baj, Sergio Dangelo, Corneille, Asger Jorn, Roberto Matta, Lucio Fontana e lo stesso Emilio Scanavino. Inserita in un contesto dedicato a design industriale e funzionalismo, questa sezione si proponeva di sfidare il predominio di quest’ultimo con un progetto che anticipava quel Movimento Internazionale per un Bauhaus Immaginista che sarebbe poi diventato l'Internazionale Situazionista. 

La X Triennale di Milano divenne una vetrina per l’arte moderna e il design industriale, ma anche un laboratorio di nuove forme di espressione artistica. In quella edizione storica, la sezione dedicata alla ceramica fu un punto di incontro tra artisti e produzione industriale. In quel contesto, Scanavino si distinse non solo come artista ma come protagonista di un processo di innovazione che superava le convenzioni del design funzionalista del periodo, rivelando nella sua produzione ceramica una testimonianza di ricerca sulla deformazione e l’espressione corporea, elementi che caratterizzeranno anche la sua pittura e scultura del tempo.

In quanto materiale ibrido e al tempo stesso popolare, la ceramica si prestava all’esplorazione di nuove potenzialità espressive. Scanavino, con artisti del calibro di Lucio Fontana, Enrico Baj, e Asger Jorn, partecipò attivamente alla costruzione di un dialogo tra arte e industria portando la ceramica a essere riconosciuta come mezzo artistico autonomo. 

La Triennale del 1954 non si limitò a presentare oggetti, ma divenne un crocevia di idee in cui si sviluppò una riflessione profonda sulla trasformazione sociale e culturale in corso. La collaborazione tra artisti e produttori di ceramiche divenne simbolo di un movimento che sfidava la separazione tra arte e vita. 

Les Monstres Amis è accompagnata da un catalogo edito da Dario Cimorelli Editore con contributi dei due curatori Michel Gauthier e Marco Scotini e di Luca Bochicchio, Lisa Hockemeyer e Stefano Setti, che approfondiscono il contesto storico, artistico e teorico della Triennale del 1954 e il ruolo cruciale di Scanavino in quell'epoca.

miart 2025 4 - 6 April 2025

 

miart 2025: among friends 

Con 179 gallerie provenienti da 31 paesi e 5 continenti, e oltre cento anni di arte raccolti sotto lo stesso tetto, miart riafferma la propria centralità nel panorama delle fiere d’arte europee 

Significativi sia i ritorni che i nuovi ingressi di gallerie internazionali come Ben Brown Fine Arts, Sadie Coles HQ, MASSIMODECARLO, Meyer Riegger, Victoria Miro, Esther Schipper

Numerose le iniziative volte a tradurre e a dare una forma al tema dell’edizione attraverso mostre museali, nuove commissioni e talk attorno alla figura di Robert Rauschenberg 

Fiera Milano presenta la ventinovesima edizione di miart, la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea, che si svolgerà dal 4 al 6 aprile 2025 (VIP preview giovedì 3) negli spazi di Allianz MiCo a Milano. Sotto la direzione artistica di Nicola Ricciardi, e grazie al lavoro di un rafforzato gruppo di curatori e professionisti dell’arte, miart 2025 conferma la propria centralità nel panorama europeo offrendo un bilanciamento tra specificità locale e internazionalità delle proposte, attraverso un’accurata combinazione di realtà italiane di primo piano con alcune delle più importanti gallerie provenienti da cinque continenti. Distribuiti in tre sezioni – Established, Emergent, Portal – i progetti presenti a miart sono rappresentativi di un ventaglio temporale di opere d’arte particolarmente ampio che spazia dai capolavori del Primo e del Secondo Novecento alle opere legate alla più stretta attualità, da presentazioni dedicate al design d’autore a focus sui Maestri italiani che hanno plasmato la vivacità artistica di Milano e del Paese in generale. among friends, titolo e tema dell’edizione, riflette l’obiettivo di mettere a sistema quella rete di relazioni costruita negli anni, consolidando il proprio ruolo di riferimento nel contesto fieristico e culturale internazionale.

1. GALLERIE E SEZIONI 

1.1 Established 

Tra i nuovi ingressi nella sezione Established rispetto all’edizione 2024, si segnalano importanti ritorni e significative prime volte, come ad esempio le partecipazioni di The Breeder (Atene), Ben Brown Fine Arts (Londra, Hong Kong, Venezia), Sadie Coles HQ (Londra), MASSIMODECARLO (Milano, Londra, Hong Kong, Parigi, Pechino), DOCUMENT (Chicago, Lisbona), Maxwell Graham Gallery (New York), Meyer Riegger (Berlino, Karlsruhe, Basilea, Seul), Victoria Miro (Londra, Venezia), Esther Schipper (Berlino, Parigi, Seul). Queste si aggiungono alle rilevanti conferme da parte di gallerie come 1 Mira Madrid (Madrid), APALAZZOGALLERY (Brescia), Galerie Buchholz (Colonia, Berlino, New York), Cardi Gallery (Londra, Milano), ChertLüdde (Berlino), Galleria Continua (San Gimignano, Pechino, Les Moulins, L’Avana, Roma, San Paolo, Parigi), Lodovico Corsini (Bruxelles), Raffaella Cortese (Milano, Albisola), Corvi-Mora (Londra), Monica De Cardenas (Milano, Zuoz, Lugano), EHRHARDT FLÓREZ (Madrid), Galleria Dello Scudo (Verona), greengrassi (Londra), kaufmann repetto (Milano, New York), Galerie Peter Kilchmann (Zurigo, Parigi), Galerie Lelong & Co. (Parigi), Lombardi—Kargl (Vienna), Madragoa (Lisbona), Magazzino (Roma), Galleria d'Arte Maggiore g.a.m. (Bologna, Venezia, Parigi), Mai 36 Galerie (Zurigo, Madrid), Gió Marconi (Milano), Mazzoleni (Londra, Torino), Francesca Minini (Milano), Galleria Massimo Minini (Brescia), MISAKO & ROSEN (Tokyo), ML fine art (Milano), Montrasio Arte (Monza, Milano, Piacenza), P420 (Bologna), Dawid Radziszewski (Varsavia, Vienna), Repetto Gallery (Lugano), Robilant+ Voena (Milano, Londra, New York), Lia Rumma (Milano, Napoli), Richard Saltoun Gallery (Londra, Roma, New York), GIAN ENZO SPERONE (Sent), Sprovieri (Londra), Tornabuoni Arte (Firenze, Milano, Roma, Forte dei Marmi, Parigi, Crans Montana), Galerie Tschudi (Zuoz, Zurigo), VISTAMARE (Pescara, Milano), Galerie Hubert Winter (Vienna), ZERO… (Milano), solo per citarne alcune. 

All’interno della sezione Established torna inoltre, arricchito di nuove e qualificate partecipazioni, Timescape, il percorso tematico che porta all’attenzione del pubblico opere realizzate in epoche sempre più distanti nel tempo rispetto alla tradizionale offerta cronologica della fiera. Attraverso vere e proprie micro-esposizioni dedicate alla prima metà del Novecento, le gallerie partecipanti mettono in dialogo i grandi Maestri della Storia dell’Arte con opere contemporanee generando scambi ricchi di suggestioni. Ne sono un esempio lo stand di Galleria Gomiero (Montegrotto Terme), dove le opere tessili degli Anni Venti di Herta Ottolenghi Wedekind si specchiano in quelle realizzate su carta cent'anni dopo da Martìn Soto Clìment, o il solo booth di MAURIZIO NOBILE FINE ART (Bologna, Parigi, Milano), che racconta il percorso artistico di Luciano Minguzzi dagli esordi negli Anni Trenta fino al suo periodo milanese negli anni Settanta. 

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1.2 Emergent

Le giovani realtà e le progettualità in ascesa sono raccolte all’interno di Emergent, la sezione curata da Attilia Fattori Franchini focalizzata sulla promozione delle generazioni più recenti di artisti, che quest'anno accoglie 25 gallerie provenienti da tutto il mondo: dal Canada (Franz Kaka, Toronto) all’Australia (Daine Singer, Melbourne) passando per il Messico (N.A.S.A.L., Guayaquil, Città del Messico), senza tralasciare le milanesi più interessanti, come ArtNoble Gallery, eastcontemporary, MATTA, o zaza'. Importante anche la selezione di gallerie londinesi presenti — Brunette Coleman, Rose Easton, Ginny on Frederick, Ilenia, Nicoletti, TINA — a sottolineare il crescente interesse e movimento di artisti, curatori e collezionisti tra Italia e Regno Unito. Si segnala anche, in continuità con le ultime tre edizioni di miart, il passaggio in Established di tre gallerie che negli anni precedenti avevano partecipato a Emergent — Arcadia Missa (Londra), Sébastien Bertrand (Ginevra), UNA (Piacenza, Milano) — a sottolineare come questa sezione abbia nel tempo consolidato il proprio ruolo di palestra utile a sviluppare in forza e consapevolezza le realtà emergenti, dando valore e prospettive di crescita ai loro artisti. 

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1.3 Portal 

Portal, curata per la prima volta da Alessio Antoniolli, Direttore di Triangle Network a Londra e curatore della Fondazione Memmo a Roma rafforza e definisce la sua presenza riunendo dieci gallerie per altrettanti progetti monografici che rompono i confini tra discipline, tempo e spazio ed esplorano narrazioni nascoste e nuovi campi creativi. Rifiutando categorizzazioni rigide e obsolete, gli artisti qui esposti sfidano la comune comprensione di geografie e temporalità presentando cosmologie e conoscenze indigene, riflettendo sull'intersezione culturale, materiale e tecnologica o operando come collettivo sperimentale e multidisciplinare di artisti, curatori e scrittori. Attraverso associazioni poetiche e soggettività diverse, Portal cerca così di proporre una visione più ricca e sfumata del passato e del presente per immaginare possibili scenari futuri. Tra gli stand si segnalano quello dedicato al collettivo ghanese blaxTARlines ospitato da APALAZZOGALLERY (Brescia), l’affondo sull’artista autodidatta dell'Amazzonia settentrionale Santiago Yahuarcani presentato da Crisis (Lima), il solo show dello scultore camerunense Victor Fotso Nyie per P420 (Bologna), e un inedito progetto dell’enigmatica Lucy Otter da Galleria Franco Noero (Torino), solo per citarne alcuni. 

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2. PARTNERS E PREMI 

2.1 Main partner 

Si rinnova la collaborazione con il Gruppo Intesa Sanpaolo, che supporta miart in qualità di main partner. Internazionalità, eccellenza e attenzione allo sviluppo culturale del territorio sono i valori che legano miart al gruppo bancario, con l'obiettivo di consolidare la centralità di Milano nel panorama nazionale e internazionale e di offrire alla città un ulteriore volano di crescita e sviluppo economico, culturale e civile. Come da tradizione, la Banca contribuirà all'edizione 2025 attraverso contenuti originali e di alto valore artistico, quest’anno dedicati alla valorizzazione – nell’area lounge del Gruppo e nel caveau delle Gallerie d’Italia di Piazza della Scala – di una selezione di capolavori di Robert Rauschenberg presenti nella Collezione Luigi e Peppino Agrati, oggi parte del patrimonio artistico di Intesa Sanpaolo. Tali iniziative sono state realizzate in sinergia con Robert Rauschenberg Foundation e con miart, inclusa tra gli International Partners della Fondazione in occasione del Centenario dell’artista. Sempre nell’area lounge della Banca, Intesa Sanpaolo Private Banking presenterà le proprie soluzioni innovative e complete di wealth management con particolare focalizzazione sul servizio di art advisory, dedicato a chi considera l'arte un'opportunità di crescita diversificata del proprio patrimonio. 

2.2 Premi, commissioni e fondi di acquisizione 

Si conferma anche il Fondo di Acquisizione di Fondazione Fiera Milano, istituito nel 2012. Del valore di 100.000 euro, il Fondo è destinato a opere d'arte che andranno a implementare la collezione di Fondazione Fiera Milano, oggi ospitata all'interno della Palazzina degli Orafi, sede di Fondazione, e che attualmente si compone di oltre 120 lavori in rappresentanza di linguaggi artistici differenti. Tutte le opere sono visibili su https://www.fondazionefieramilano.it/it/il-patrimonio/patrimonio-artistico.html.

Festeggiano la decima partecipazione a miart sia il Premio Herno, che assegna un riconoscimento di 10.000 euro allo stand con il miglior progetto espositivo, sia il Premio LCA Studio Legale per Emergent, del valore di 4.000 euro, nato dalla collaborazione con LCA Studio Legale e destinato alla galleria con la migliore presentazione all'interno della sezione Emergent. Giungono invece alla terza edizione il Premio Orbital Cultura – Nexi Group unico riconoscimento all’interno di miart esclusivamente dedicato alla fotografia in tutte le sue declinazioni, che per la prima volta avrà un suo spazio in fiera, e il Premio Matteo Visconti di Modrone, in memoria del Presidente della Fonderia Artistica Battaglia, per un valore di 10.000 euro, assegnato ad un artista che potrà realizzare la sua opera in Fonderia Artistica Battaglia, con l’assistenza e l’esperienza degli artigiani che vi operano. Sempre nell’ambito dei premi delle commissioni si conferma poi la SZ Sugar miart commission, nata in collaborazione con SZ Sugar, casa editrice dedicata alla musica colta contemporanea nata nel 1907 con il nome Edizioni Suvini Zerboni e parte del gruppo Sugar Music guidato da Caterina Caselli e Filippo Sugar. In questa edizione, si darà la possibilità alle gallerie partecipanti di far interpretare ai propri artisti "Musica per una fine", composizione di Ennio Morricone per coro, orchestra e nastro magnetico con la registrazione di una poesia di Pier Paolo Pasolini letta dall'autore. Prima dell'inaugurazione della fiera, una giuria selezionerà la miglior interpretazione artistica, la quale verrà riprodotta ed esposta in uno spazio dedicato. Fanno il proprio ritorno anche il Premio Rotary Club Milano Brera per l’Arte Contemporanea e Giovani Artisti – istituito nel 2009 come primo riconoscimento nel contesto di miart e ora alla sua quindicesima edizione – che prevede l’acquisizione di un’opera di un artista emergente o mid-career da donare al Museo del Novecento di Milano, e il Premio Massimo Giorgetti, giunto alla sua terza edizione. Nato dalla volontà dello stilista e collezionista Massimo Giorgetti di supportare giovani artisti all'inizio della propria carriera, il riconoscimento assegna un premio del valore di 5.000 euro.

2.3 Collaborazioni e progetti speciali 

Per la ventinovesima edizione di miart si rinnovano altre partnership strategiche come, ad esempio, quella con il con il brand di moda MSGM, diretta e fondata da Massimo Giorgetti, che anche nel 2025 commissionerà ad un artista un’opera site-specific per rendere unico e speciale l'ingresso della fiera milanese. Anche Maison Ruinart conferma il suo impegno nel mondo dell'arte e della sostenibilità, presentando un inedito progetto artistico della serie Conversations with Nature all'interno della tradizionale VIP Lounge Ruinart. Per il terzo anno consecutivo, ICE - Agenzia per la promozione all'estero e l'internazionalizzazione delle imprese italiane sostiene la manifestazione sui mercati internazionali mettendo in luce l'eccellenza e la qualità che la contraddistinguono con l'obiettivo di ampliare la presenza di un pubblico qualificato nei giorni fiera. Inedita invece la collaborazione con la Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, che partecipa per la prima volta a miart con un proprio spazio istituzionale dedicato a promuovere i diversi progetti a sostegno di artisti e creativi italiani, sia in Italia sia all’estero, e a far conoscere le pubblicazioni e le ricerche realizzate nell'ambito di questi progetti (tra cui Italian Council, Strategia Fotografia, PAC - Piano per l'Arte Contemporanea). 

3. TEMA CURATORIALE E PROGETTI ESTERNI 

3.1 Among friends 

Il titolo dell’edizione 2025 di miart, among friends, vuole essere un omaggio alla figura umana e artistica di Robert Rauschenberg (1925 – 2008), a cento anni dalla sua nascita, oltre che uno spunto per approfondire i principi alla base del suo lavoro: l’apertura al mondo, l’interdisciplinarietà, l’impegno per il dialogo e la collaborazione. L’approccio dell’artista americano viene fatto proprio dalla fiera, che per la sua ventinovesima edizione ha come obiettivo quello di mettere a sistema la rete di relazioni costruita negli anni ponendosi di fatto come motore di un ideale festival delle arti contemporanee della città di Milano che è la Milano Art Week. Questo impegno si traduce in una serie di iniziative che danno forma concreta al tema della “amicizia” in campo artistico, intesa come un paritario, reciproco e genuinamente solidale supporto tra tutti gli stakeholder del sistema dell’arte: fiera, istituzioni, gallerie, artisti, curatori, collezionisti. La prima di queste progettualità ha preso il via nel mese di novembre 2024 e si sviluppa nel corso dei mesi antecedenti alla fiera: talks among friends è infatti un palinsesto composto da cinque incontri pubblici attorno al tema della cooperazione sviluppati assieme ad altrettante istituzioni milanesi: Fondazione Prada, Museo del Novecento, PAC - Padiglione d'Arte Contemporanea, Pirelli Hangar Bicocca e Triennale Milano. Il programma completo è disponibile qui. 

3.2 Museo del Novecento e Triennale Milano 

John Giorno: a labour of LOVE è il primo dei numerosi progetti pensati per dare una forma espositiva al tema di miart 2025 e inaugura il 15 marzo negli spazi di Triennale Milano, in collaborazione con l’istituzione. Curata da Nicola Ricciardi, la prima mostra in Italia dedicata all'archivio del poeta e performer americano, è stata infatti ideata per rendere visibili e tangibili tracce dell’amicizia e delle collaborazioni di Giorno con alcune delle figure più significative dell'arte, della letteratura e della musica del Novecento: da Robert Rauschenberg a William S. Burroughs, John Cage, Allen Ginsberg, Keith Haring, Allan Kaprow, Patti Smith e Andy Wharol, solo per citarne alcuni. La mostra presenta una selezione di circa 100 documenti originali e mai presentati in Italia, resi accessibili dalla Giorno Poetry Systems (GPS), un'organizzazione no-profit fondata da Giorno nel 1965 per supportare artisti, poeti e musicisti, e che oggi sovrintende anche all'eredità dell'artista e ai suoi vasti archivi. Grazie alla collaborazione con il Comune di Milano, inaugura al Museo del Novecento durante i giorni della manifestazione e con la curatela di Gianfranco Maraniello e Nicola Ricciardi con Viviana Bertanzetti, Rauschenberg e il Novecento, un eccezionale progetto espositivo che costruisce per la prima volta un ponte tra le opere di questo fondamentale protagonista della storia dell’arte e alcuni dei più significativi capolavori ospitati all’interno delle collezioni del Museo, intrecciando una trama tra la visione innovativa dell’artista americano e il ricco tessuto dell'arte italiana del ventesimo secolo. La mostra metterà in dialogo otto opere realizzate tra gli Anni Settanta e Ottanta da Rauschenberg con le esperienze di artisti appartenenti ai principali movimenti che hanno scandito il Novecento italiano, dal Futurismo all’Arte Povera. Entrambe le mostre sono rese possibili anche grazie al supporto di Fiera Milano, il cui coinvolgimento — in linea con i principi raccolti nel tema di miart 2025 — sottolinea ancora una volta l’importanza di un supporto animato dalla volontà di rafforzare l’offerta e la coesione del sistema culturale della città di Milano. Con questi due progetti si concretizza l’impegno tangibile di miart e di Fiera Milano a uscire dai padiglioni fieristici per entrare nel tessuto della città, collaborando con il Comune e le istituzioni alla realizzazione della Milano Art Week. 

3.3 Milano Art Week 

Nello spirito di among friends, il legame tra miart e la città è rafforzato dalla collaborazione con il Comune di Milano in occasione della prossima edizione della Milano Art Week (1- 6 aprile), la manifestazione diffusa coordinata dall’Assessorato alla Cultura e organizzata dall’Associazione Arte Totale, che mette in rete le principali istituzioni pubbliche e fondazioni private della città dedicate all’arte moderna e contemporanea con un programma di mostre e attività. Oltre alla mostra su Robert Rauschenberg al Museo del Novecento e ai già citati progetti dedicati all’artista americano, la Milano Art Week avrà un calendario di opening, installazioni, mostre, eventi e incontri che accenderanno i riflettori sulla vivacità del sistema dell’arte milanese. Protagoniste della Milano Art Week saranno le principali istituzioni pubbliche e private tra cui PAC Padiglione d'Arte Contemporanea, Museo del Novecento, Palazzo Reale, MUDEC Museo delle Culture, musei del Castello Sforzesco, BASE Milano, Fondazione ICA Milano, Fondazione Luigi Rovati, Fondazione Prada, Fondazione Prada Osservatorio, Pirelli HangarBicocca, Triennale Milano. 

4. CAMPAGNA VISIVA 

Ispirata al titolo e al tema among friends è anche la nuova campagna visiva della fiera, che trasla in immagini concetti cari a Robert Rauschenberg come la partecipazione attiva, l’impegno per il dialogo e per la multidisciplinarietà e la capacità di intrecciare relazioni produttive. Realizzata con la direzione artistica dello studio di comunicazione visiva Cabinet Milano, la campagna rinnova la convivenza tra immagini fotografiche e video – firmati da Marton Perlaki in collaborazione con Dodi Vekony – e un impianto grafico fortemente connotato e riconoscibile. In questa nuova produzione attori eterogenei diventano i personaggi di un ideale “festival” mettendo in scena una serie di azioni collaborative il cui senso appare spesso incomprensibile, lasciando lo spettatore incerto in merito alla collocazione temporale e spaziale dei gesti performativi.

CARAVAGGIO AL CASINO BONCOMPAGNI LUDOVISI

 

Caravaggio: Giove, Nettuno e Plutone

Caravaggio al Casino Boncompagni Ludovisi 

Apertura straordinaria in occasione di 

CARAVAGGIO 2025 

a cura di Francesca Cappelletti, Maria Cristina Terzaghi, Thomas Clement Salomon un’opportunità imperdibile di visitare il Casino Boncompagni Ludovisi con un percorso guidato alla scoperta dell’unico dipinto murale conosciuto del Merisi, ufficialmente 25° opera nel percorso della grande mostra in corso a Palazzo Barberini 

dal 29 marzo al 6 luglio 2025 l’acquisto della visita è riservato esclusivamente ai possessori del biglietto della mostra Caravaggio 2025 Casino Boncompagni Ludovisi Via Lombardia 46, Roma barberinicorsini.org 

Roma, 20 marzo 2025. 

Da sabato 29 marzo a domenica 6 luglio, la mostra CARAVAGGIO 2025 in corso a Palazzo Barberini si arricchisce di una nuova opera, la venticinquesima di questa straordinaria rassegna: Giove, Nettuno e Plutone, unica opera murale conosciuta del Merisi, realizzata all’interno del Casino Boncompagni Ludovisi (detto anche dell’Aurora Ludovisi). Gli ambienti del Casino Boncompagni Ludovisi, costruito nel 1570, custodiscono uno dei più importanti e allo stesso tempo meno accessibili capolavori di Caravaggio: Giove, Nettuno e Plutone. Si tratta di un unicum nella produzione artistica del Merisi: eseguito a olio su muro, era stato commissionato al pittore dal cardinale Francesco Maria Del Monte, il suo primo facoltoso mecenate romano, al servizio del quale Caravaggio era entrato nel 1597 e che possedette molte sue opere, tra cui i Musici, i Bari, la Buona Ventura e la Santa Caterina d’Alessandria, esposti in mostra. Il Giove, Nettuno e Plutone era destinato a un ambiente piuttosto speciale del casino, il «camerino della distilleria» (così lo definisce Giovan Pietro Bellori, tra i primi biografi dell’artista), una sorta di gabinetto alchemico, nel quale il cardinale si dilettava, essendo egli «studioso di medicamenti chimici». L’iconologia del dipinto è estremamente complessa, e, così come tutti gli altri oggetti che si trovavano nell’ambiente, è legata all’alchimia: in particolare Giove, Nettuno e Plutone sono divinità tradizionalmente associate alle tre fasi della pratica alchemica, attraverso le quali, partendo da una materia grezza, si ricava la pietra filosofale. Caravaggio, che secondo Bellori «sentendosi biasimare di non intendere né piani né prospettiva, tanto si aiutò collocando li corpi in veduta dal sotto in su che volle contrastare gli scorti più difficili», si autoritrasse, verosimilmente con l’ausilio di uno specchio, in tutte e tre le divinità. A partire dal 29 marzo, in occasione della mostra Caravaggio 2025, il pubblicò avrà l’occasione unica di ammirare non solo questo capolavoro “nascosto” del Merisi, ma anche l’Aurora, un superbo affresco realizzato dal pittore bolognese Guercino per Ludovico Ludovisi nel 1621. L’eccezionale Giove, Nettuno e Plutone va quindi virtualmente a sommarsi alle ventiquattro opere esposte in mostra, aggiungendo un tassello importante alla prima produzione romana del pittore e al suo rapporto con il cardinal Del Monte. Il dipinto del Merisi e il Casino Boncompagni Ludovisi saranno eccezionalmente visitabili il sabato e la domenica grazie a speciali visite guidate per gruppi di massimo 20 persone alla volta. 

L’accesso è consentito solo ai possessori del biglietto di visita alla mostra CARAVAGGIO 2025 previa prenotazione. INFORMAZIONI PRATICHE Casino Boncompagni Ludovisi via Lombardia 46 – 00184 Roma, Italia sabato e domenica a partire dal 29 marzo orari di visita: 10:00 - 11:00 - 12:00 - 13:00 - 15:00 - 16:00 - 17:00 La visita avviene per un gruppo di massimo 20 persone alla volta prenotazione obbligatoria al seguente link: https://ecm.coopculture.it/index.php?option=com_snapp&view=event&id=2EA953E9-F46AE640-4A6A-01958FD025AF&catalogid=0796C20E-36A8-283D-2833-0195A4D6CA49&lang=it 

Prezzo della visita: 12€ Per la struttura stessa del sito la visita non è accessibile a persone con difficoltà motoria. 

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 CARAVAGGIO 2025

Guercino

Casino Boncompagni Ludovisi

CARAVAGGIO 2025: FINALE DI PARTITA

 © Photo by Massimo Gaudio

Sala Finale di Partita

Nel corso espositivo della mostra, abbiamo avuto l'occasione di vedere molte opere di Caravaggio da quando ha mosso i primi passi artistici a Roma, passando attraverso fatti oscuri che hanno interessato la vita personale dell'artista, il soggiorno napoletano fino ad arrivare in questa sala dove sono esposte le ultime opere da lui realizzate.

Caravaggio aveva una forte voglia di rientrare a Roma e per avere questa opportunità si diresse nell'estate del 1607 alta volta di Malta dove attraverso al suo valore artistico riuscì a entrare nell'Ordine dei Cavalieri Gerosolimitani, mossa utile per ottenere la grazia di papa Paolo V Borghese. Dopo essere stato coinvolto in una rissa con un altro membro dell'Ordine, egli venne incarcerato ma dopo una rocambolesca fuga si diresse verso la Sicilia per poi tornare nuovamente a Napoli dove realizzò il San Giovanni Battista Borghese e il Martirio di sant'Orsola.

Nel 1610 salpò alla volta di Palo Laziale sicuramente dopo aver ricevuto la notizia della grazia. Rilasciato dopo essere stato trattenuto per controlli, si diresse verso Porto Ercole. Provato, affaticato e malato di febbre alta, probabilmente per via di un'infezione intestinale trascurata, vi trovò la morte il 18 luglio 1610 a soli 38 anni.

Michelangelo Merisi detto CARAVAGGIO, Ritratto di Cavaliere di Malta (1608-1609)
Olio su tela, 118,5 x 95,5 cm, Galleria degli Uffizi, Galleria Palatina in Palazzo Pitti, Firenze

Per riuscire a rientrare a Roma e per avere la grazia di papa Paolo V, Caravaggio nel 1607 si imbarcò da Napoli per dirigersi a Malta con la speranza di entrare nell'Ordine dei Cavalieri Gerosolimitani. Per l'Oratorio di San Giovanni Battista dei Cavalieri nella Concattedrale di San Giovanni a La Valletta, l'artista dipinse la Decollazione del Battista. Grazie a questo dipinto entrò in contatto con molti membri dell'ordine e finalmente riuscì a diventare Cavaliere. 

L'identità del Cavaliere ritratto è ancora incerta; potrebbe trattarsi del Gran Maestro dell'Ordine Alof de Wignacourt, ma si è concretizzata l'ipotesi che il Cavaliere sia Antonio Martelli di Firenze che a quanto pare Caravaggio era molto legato. Alcune documentazioni avvallano le notizie che menzionano Martelli come l'artefice della fuga del Merisi dalla prigione maltese.

Michelangelo Merisi detto CARAVAGGIO, San Giovanni Battista (1609-1610)
Olio su tela, 152 x 125 cm, Galleria Borghese, Roma

Nel 1610 dopo aver saputo della grazia concessa da papa Paolo V Borghese, Caravaggio salpò da Napoli alla volta di Roma portando con sé alcuni dipinti da donare al papa e suo nipote Scipione Borghese. Uno dei dipinti era il San Giovanni Battista, anche se questa denominazione potrebbe essere stata data visto le opere pregresse sullo stesso soggetto. 

Se si guarda attentamente il giovane, non ci sono riferimenti che portano a pensare che si tratti del santo, infatti, con la mano sinistra regge una canna e non una croce fatta di canne. L'ovino potrebbe essere una pecora ritratta di spalle mentre è intenta a mangiare foglie di tralci della vite. In pratica è un semplice pastorello seminudo poggiato su un telo rosso posto su una roccia.

Caravaggio ha realizzato il dipinto da portare in dono al cardinale Scipione Borghese, Ministro della Giustizia firmatario della sua condanna a morte dopo l'omicidio di Ranuccio Tomassoni. 

La chiave di lettura del dipinto potrebbe essere più complessa rispetto alla semplice rappresentazione del santo. Sintetizzando, il pastore è Scipione Borghese che con la mano sinistra tiene la canna come fosse la penna che ha firmato la sua condanna, la mano destra la trattiene come a significare la richiesta di annullare la condanna, invece Caravaggio si è rappresentato come la pecorella che si è smarrita.

Michelangelo Merisi detto CARAVAGGIO, Martirio di sant'Orsola (1610)
Olio su tela, 143 x 180 cm, Collezione Intesa Sanpaolo, Gallerie d'Italia, Napoli

L'anno è il 1610, è primavera e Caravaggio è in procinto di partire per Roma per ricevere la grazia da parte di papa Paolo V, quando il banchiere genovese Marcantonio Doria gli chiede di eseguire un dipinto su sant'Orsola, in onore della figliastra Anna Grimaldi che diventando suora, ha preso il nome di Orsola. Caravaggio ha dato il meglio di sé per ultimare il quadro in tempi brevi riuscendoci, consegnando l'opera ancora non definitivamente asciutta al procuratore della famiglia Doria, solo che, su insistenti richieste da parte del committente, prima di spedirlo il procuratore decise di farlo asciugare al sole, cosa che comportò dei danni alla tela e Caravaggio per porvi rimedio dovette intervenire nuovamente.

Il dipinto è ambientato nella tenda di Attila, le armature e i vestiti che indossano i personaggi ritratti sono seicenteschi. Attila si trova sulla sinistra ed ha appena scoccato con l'arco la freccia che ha trafitto la santa. Ella, sorretta da uno dei suoi aguzzini, si porta le mani al petto e china la testa per vedere la freccia. Rispetto agli altri personaggi, la santa ha il volto e le mani quasi bianche, come a indicare la sua imminente morte. Anche in questo dipinto Caravaggio ha voluto inserire il suo ritratto, infatti, alle spalle di lei, illuminato dalla luce, spicca il suo volto con la bocca aperta che osserva la scena, drammaticamente catturata dal martirio in atto.

In occasione della mostra Caravaggio 2025, il dipinto ha subito un restauro, dal quale sono riemerse alla luce tre figure di personaggi maschili.

Fino a oggi il Martirio di sant'Orsola rimane l'ultima opera realizzata da Michelangelo Merisi detto CARAVAGGIO (Milano 29 settembre 1571 - Porto Ercole 18 luglio 1610)

Vi ringrazio.

Arrivederci al prossimo articolo.

Massimo